Un Recorrido por el Color

Para Arper, el color es más que una opción de acabado o una elección de diseño particular. El color, junto con la intuición, el equilibrio, la luz, el juego y la familia, se ha convertido en uno de nuestros principales valores. Durante los años, hemos colaborado con diseñadores y generadores de ideas que han aportado su propia sensibilidad al color a nuestro mundo. Aquí, miramos las ideas, los diseños y los diseñadores que han ayudado a moldear el uso distintivo del color y los conceptos detrás de este en Arper.

El Color En Contexto

El color no es un punto estático y fijo. No actúa solo. De hecho, el color es tanto un reflejo de nuestra percepción (cultural, histórica y material) como un tono único.

El color es un espejo a los gustos culturales en constante cambio. El modernismo le temía al color y creía que los cubos blancos, las prendas negras y las paletas «neutras» expresaban sofisticación. En cambio, los colores intensos se han considerado históricamente (y quizás aún en la actualidad) como decorativos o frívolos. Pero los gustos cambian. El mismo color que se consideraba actual y fascinante en un momento podría considerarse aburrido en otra era. O un color que significa calma en un contexto podría considerarse deprimente en otro según el lente cultural con el que se lo mire. El color en sí no cambia, sino que nosotros lo hacemos.

Así como la cultura y el tiempo afectan nuestra percepción del color emocionalmente, el color también interactúa con la personalidad del objeto (su material, forma, tamaño, composición) y con las condiciones cambiantes de su entorno. El brillo de la seda, lo profundo del terciopelo, el lustre del esmalte o el polvo mate de un pigmento: siempre el mismo color, pero nunca el mismo efecto.

Sobre todo: un solo color no es nada. No tiene existencia por sí solo, independiente del material, de los colores circundantes y de los sentidos históricos y culturales. Como una pieza musical, es la combinación de las tonalidades lo que crea una atmósfera. El color se manifiesta de manera constante.

«Como diseñadores, tratamos de encontrar una forma para algo que ya está en el aire: un deseo, un estado de ánimo, un deseo vago y colectivo, pero que aún no ha encontrado su expresión. Identificamos esas tendencias y les damos forma a través del color, del material, de la estructura y de la composición. Al crear, estamos en constante diálogo con nuestra comunidad: la manera en la que expresamos nuestros valores e ideas, y reaccionamos al mundo en el que vivimos moldea nuestro entorno y, a la vez, el entorno nos moldea a nosotros. Así, somos todos partes de un gran colectivo, que piensa y siente juntos». — Jeannette Altherr

En el año 2000, el diseño para Catifa llevó la filosofía del color de Arper a una nueva dimensión. Creada por Lievore Altherr Molina, la ahora icónica silla incluía el color no solo como un elemento de acabado, sino como su concepto central. El diseño bicolor para Catifa se creó con una tecnología nueva de bi-inyección que permitía yuxtaponer dos colores sobre el mismo cuerpo.

«La producción bicolor crea una identidad visual única entre las mesas y las sillas», explica Jeannette Altherr de Lievore Altherr Molina. «Acomodadas alrededor de una mesa clara, las sillas blancas crean un entorno uniforme, diseñado para la conversación y el intercambio. La carcasa o el borde externos de color mantiene y protege la colaboración y la comunicación interna».

Los colores de la primera colección de Catifa estaban pensados para ser una parte activa del diseño de interior. Los diseñadores también jugaron con la textura: un exterior brillante combinado con un interior algo texturizado y mate permitió que incluso una carcasa completamente blanca siguiera conectada al resto de la colección a través de pequeños cambios de color que producen las diferentes superficies.

«En las composiciones lineares, las sillas bicolores crean un efecto doble: vistas desde el frente, las filas transmiten serenidad y claridad, como si uno se sentara en una sábana recién lavada. Desde atrás, los respaldos de color crean una superficie vibrante y multifacética, que atrae al ojo y a la imaginación». — Jeannette Altherr

Con el agregado de nuevas colecciones a la familia Catifa, vimos cómo el color realmente puede definir la personalidad de un producto. En 2016, Arper celebró el sólido potencial de la familia Catifa y llevó las personalizaciones bicolores a un nuevo nivel de contraste y tratamiento del color. La diseñadora Jeannette Altherr eligió una paleta de color y una textura de materiales diferentes para cada colección para distinguir sus propiedades únicas. La diferencia de escala y proporción dentro de cada colección se había traducido en un gesto diferente para cada versión. 

Catifa 46 se presentó en colores frescos y divertidos, mientras que a la colección Catifa 53 se le agregaron acabados cálidos y con versiones de cuero, lo que crea un aspecto elegante y refinado, además de un estilo más cómodo.

Cuando pensamos en el color para las aplicaciones arquitectónicas, pensamos en dejarnos envolver por él de la misma forma que la naturaleza nos envuelve: como el azul profundo del mar en una isla griega, los millones de tonalidades de naranja, rojo y amarillo en un bosque en otoño, o las tonalidades rojizas de la siena. El color en esta escala tiene la posibilidad de ser totalmente multisensorial y marcar profundamente nuestros sentimientos.

Al diseñar las colecciones modulares de Arper que crean o definen el espacio (como los paneles Paravan diseñados por Lievore Altherr en 2018), el color se trató mirando más hacia la multisensorialidad de la arquitectura que como a un mueble.

«El color es tono, superficie y su relación con la forma, pero también es dimensión, y su relación con un contexto ligero y de estilo», explica Jeannette Altherr. «Elegir un color puede parecer fácil, pero es mucho más difícil combinarlo con los muebles y los elementos que componen la arquitectura. Por ejemplo, lo que funciona en una escala menor como una silla puede ser demasiado cuando se aplica en una pared».

Si bien el color en la colección Paravan es envolvente, el color también puede funcionar como un elemento organizativo en una habitación: un límite para definir la arquitectura de un espacio. Con las configuraciones de Kiik diseñadas por Iwasaki Design Studio o el sofá modular Loop, diseñado por Lievore Altherr Molina, el color se usó no solo como un campo, sino como una línea de horizonte, un punto de navegación donde mantener la estructura.

Estas aplicaciones de color a escala tienen el poder de crear un gran impacto en nuestros entornos y, a su vez, en cómo nos sentimos. Estos espacios más suaves, centrados en el ser humano, respaldan nuestras necesidades de manera intuitiva con materiales y formas que tienen una textura agradable, y ajustes que despiertan nuestros sentidos. Entornos que nos reúnen y nos calman. Para crear esto, el color es esencial.

«La arquitectura fue una gran fuente de inspiración. Hace algunos años tuvimos la suerte de visitar las casas de Luis Barragán en la Ciudad de México. Nos conmovió el poder emocional del color aplicado en las paredes, colores muy inusuales como el rosa, el amarillo, el rojo brillante o el azul añil. Sorprendentemente, no se veían como algo artificial, ya que la textura de las paredes les aporta naturalidad. Las telas, el principal material para una arquitectura pequeña como Paravan, pueden ofrecer la misma sensación del material: estructura, profundidad, calidez». — Jeannette Altherr

El color es la representación visible de las emociones. No solo crea personalidad en un objeto, tiene una personalidad propia. Cuando pensamos en el color rosa o azul, surgen ciertas connotaciones e incluso emociones. Entendemos los lazos entre el color y las emociones tan bien que, a veces, el color llega a sustituir una emoción: por ejemplo, el «Periodo Azul» de Picasso o cuando decimos que tenemos una mirada optimista del mundo al ver todo de color rosa. Relacionamos fácilmente el color y las emociones a través del lenguaje porque el color nos hace sentir con mucha facilidad. 

Arper siempre ha mantenido la conexión del color con las emociones como uno de nuestros valores principales de diseño. Por ello, hemos creado paletas para cada colección que enfatizan las maneras en las que el color puede propiciar un diálogo con la forma y el material, a la vez que consideramos cómo estas interacciones de color nos hacen sentir y su adaptabilidad a diferentes contextos de diseño. Por nuestro compromiso con el color como un valor principal, hemos comenzado a investigar sobre el concepto del color con colaboradores en diferentes áreas.

Hace poco entrevistamos al fotógrafo Dominik Tarabanski acerca de su trabajo que cada vez más explora la conexión emocional con el color. «Al final lo que importa es la acción que el color ejerce en nosotros, lo que hace. Si estamos mirando una pintura, un objeto o una silla, ¿qué impresión nos causa el color? ¿Funciona o no? ¿Nos hace sentir algo, le da forma a una impresión de lo que estamos viendo? No intento redescubrir el color, sino invitar a las personas a prestar más atención a él».

La escritora y diseñadora Ingrid Fetell Lee tiene una ambición similar en su trabajo al pedirle a su público que se acerque más al impacto de lo que nos rodea. La exdirectora de diseño en IDEO centra su trabajo en cómo la estética influye en nuestras emociones. «El tenor emocional afecta muchas de las cosas que hacemos», explica. «Si la estética realmente trae más alegría, nos volvemos más cariñosos, más abiertos, más colaborativos, creativos, dispuestos. ¿Cómo podemos usar nuestros entornos para ayudarnos a sacar lo mejor de nosotros?».

Tarabanski y Lee, junto con muchos otros colaboradores, han ahondado nuestra investigación sobre la conexión entre el color y las emociones: cómo nuestros entornos inciden en nuestros sentimientos y cómo el diseño puede contribuir en esa relación.

«Miro las cosas que suelen considerarse alegres: el color brillante, las formas redondas (los aros de hula-hula, los carruseles, las flores). Se puede mirar una escena o un objeto y analizarlos minuciosamente: ¿por qué me hace sentir así? ¿Qué circuitos de la alegría innata está activando en algún lugar del cerebro? Por lo general, la estética de lo alegre suele operar ya sea que estemos o no conscientes de ella. Las personas pueden decir todo el tiempo que les gustan los muebles angulares y con puntas en sus casas, y quizás sea verdad. Pero solo porque lo aprecian y piensan que es bello, no invalida el hecho de que esos pequeños silbidos se escuchen dentro del cerebro y los pongan nerviosos. Mi recomendación es que, al agregar algunos toques de esta estética de alegría más profunda y universal a la vida, se puede completar lo que a veces falta en el entorno de construcción». — Ingrid Fetell Lee

El color puede incidir en nuestro estado del ánimo, pero también en nuestro bienestar. Alrededor del 2014, se empezaron a difuminar los límites entre la vida y el trabajo. La revolución digital estaba repercutiendo en todos los aspectos de la vida, pero nunca tanto en la manera y el lugar en el que trabajamos.

La oficina había dejado de ser un edificio o lugar estático al que íbamos, y se convertía en las herramientas digitales que podemos portar. La oficina ahora era donde estaban nuestros ordenadores portátiles o teléfonos inteligentes: ya sea en casa, un aeropuerto, un restaurante o en la playa. Y nuestras oficinas también estaban cambiando: más coloridas, menos funcionales, más intuitivas y empáticas.

Para Arper, este cambio empático fue el génesis de lo que llamamos «soft tech»: innovación y tecnología al servicio del cuerpo y de la mente, no la tecnología por sí sola. Comenzamos a ver cómo la calidad de un espacio influye totalmente en nuestras vidas, en nuestra salud, productividad, creatividad y capacidad para colaborar. Además, que la calidad de nuestros espacios se define no solo por el material y la arquitectura, sino por el color.

Este enfoque más suave fue la inspiración para Kinesit. Creada para las nuevas oficinas y nuestra nueva manera de trabajar, la colección Kinesit incluía colores fuertes y básicos, pero usados de una forma bien pensada (una paleta que luego retomamos para Oragtec en 2014 y la cabina de trabajo Milano en 2017). Esta paleta explora y combina los matices de los colores primarios en un entorno brillante y luminoso para propiciar un estado de ánimo jovial, pero sofisticado. Diseñada para un entorno que tradicionalmente estaba dominado por el gris y el negro, Kinesit ofrecía una alternativa de paleta suave, sensual y moderna que se centraba en el bienestar del cuerpo y de la mente.

La interacción del cuerpo y de la mente también fue la base para Cila en 2017. La forma fluida de Cila se inspira en la imagen de las capas de tela que envuelven un cuerpo. Su silueta de líneas suaves conserva el valor gráfico de una curva distintiva, el símbolo esencial del refugio. Ofrece una sensación de protección y tranquilidad.

Los colores de la capa plástica de Cila se inspiró en los colores de la arcilla y de la piel (tonos terrosos, fluidos, cálidos y orgánicos), y más tarde se usaron para ejemplificar la idea de Intuición en el diseño de la cabina de Arper en 2018. La paleta de Cila se complementaba con materiales que conservaban sus cualidades táctiles: cuero natural, lana suave, plástico, acabado en hierro fundido y un color negro apagado para la base y plástico negro.

En Cila, el color y la forma se tradujeron en una consideración del bienestar, aquí expresado como un gesto envolvente lento con una tela de fieltro gruesa, inspirada en las esculturas de fieltro de Joseph Beuys.

«Nos han dicho (y educado o convencido) que nuestra relación con el entorno es desde adentro hacia afuera. Se espera que nos expresemos, dejemos nuestra marca en lo que nos rodea. No se dice absolutamente nada sobre la relación inversa, la cual, desde mi perspectiva, es mucho más importante. Nuestro entorno repercuta en nuestro bienestar a través de los sentidos» — Ingrid Fetell Lee

El material está muy relacionado con el color, y en algunos casos el color es el material. El color se modula mediante las cualidades del material: su textura (mate, sedosa, brillante, rugosa), el color natural del material de base y cómo cambia con el tiempo. Los matices sutiles son una fuente infinita de inspiración.

Arper comenzó a explorar los cambios inherentes del color en los materiales en 2012 con Saya, la primera silla de madera de Arper diseñada por Lievore Altherr Molina, y más adelante con Aava en 2013, diseñada por Antti Kotilainen. Saya se creó como una alternativa a los plásticos sintéticos que duran mucho tiempo y casi no cambian. Los diseñadores querían enfatizar las cualidades vivas de un material natural como la madera; con el tiempo, la paleta se convierte en una expresión de vida, que envejece, y la pátina que se adquiere por el paso del tiempo.

«[Para Saya] me inspiré en Japón cuando visité a un fabricante de contenedores de té en acero, cobre y latón», explica Jeannette Altherr de Lievore Altherr Molina. «Las láminas de metal no están selladas, por lo que el uso y el tacto con las manos durante mucho tiempo le da una pátina de oxidación única. La madera tiene una cualidad de vida similar. Representa el tiempo».

Con Saya, los diseñadores eligieron una paleta de barnices naturales con un acabado de poros abiertos. El color y el material se fundieron: «Elegimos colores en un degradado que se puede encontrar naturalmente en la madera, desde un tono muy pálido blanqueado, hasta otro tostado y otro tono marrón oscuro, casi negro, como el carbón», explica Altherr. «También incluimos tres tonalidades diferentes de rojo, un color que sugiere vida, como la madera, y que en realidad suele usarse a menudo sobre la madera en Japón. Pensamos que, si un color puede interpretar una pieza única, varios colores juntos pueden crear un patrón rítmico».

Si las piezas en madera de Arper permiten que el material cree un color natural con el tiempo, las opciones de la paleta para las colecciones inspiradas en la arquitectura como Arcos y Stacy reforzaban las cualidades del material a través de la selección del color. Con Arcos, Lievore Altherr combinó una forma clásica repetida con acabados modernos inspirados en la presencia del material dramático: terciopelo en colores suntuosos como mármol negro, verde profundo, tinta, óxido y ocre.

La diseñadora Jeannette Altherr lo explica así: «Se prestó especial atención a los colores. Con la inspiración de la casa de Corberò cerca de Barcelona, imaginamos piezas en un acabado monocromático como una sombra. Visualizamos colores elegantes y oscuros como el terciopelo, tanto en los tapizados como en el lacado mate del metal para dar la idea de que la pieza está construida en un solo material. La paleta de colores suntuosos forma un contraste gráfico pero sugerente contra una pared blanca, lo que evoca aún más nuestra fuente de inspiración: la casa de Corberò y el poderoso arquetipo visual de la geometría».

Calma y sofisticada, la moderna silla apilable Stacy se diseñó en colores inspirados en materiales nobles de la arquitectura: el ladrillo, la herrumbre, el hierro fundido, el acero negro, la arena y el yeso. Estas elecciones de colores forjaron una relación entre el color y el material.

«Las sillas apilables tienen que ser muy ligeras porque suelen moverse de un lugar a otro. Las opciones más ligeras están hechas de plástico. Observamos que la mayoría de las sillas apilables vienen en colores dinámicos y vivos, quizás debido a que los grandes espacios comunitarios donde suelen usarse están construidos en materiales básicos que son fáciles de mantener, como el ladrillo, el yeso blanco o la madera contrachapada. A menudo, estos espacios no son muy lindos, y los colores del plástico son una manera de realzar estos lugares. Pero existen solo unas pocas opciones de color para las sillas de plástico ligero que se pueden usar en espacios de calidad. Por eso, creamos estos colores para lograr una mejor presencia». — Lievore Altherr 

Si bien las colecciones de Arcos y Stacy usan el color para reforzar las opciones del material, Arper también se interesó por la materialidad del color en sí a través del trabajo de la colaboradora Jennifer Brooke. Brooke es una diseñadora profesional e investigadora que estudia los pigmentos naturales que se encuentran en la tierra, y crea con ellos. En su trabajo, busca colores que literalmente están debajo de sus pies. Luego, perfecciona estos pigmentos naturales en acuarelas, tizas y materiales artísticos para entender mejor la materialidad del color y su relación con el lugar.

«Cuando empecé a trabajar con pigmentos como materiales artísticos y a hacer acuarelas, crayones o tizas con ellos, descubrí que cada pigmento se comportaba de una manera diferente: algunos son mantecosos y aterciopelados, y muy fáciles para trabajar con ellos, mientras que otros demoran más tiempo en florecer», explica Brooke. «Tienen cuerpos y personalidades. Si pensamos en la incitación de Arper de que el color desprende personalidad, el color es personalidad».

El trabajo de Brooke enfatiza la relación del color y cómo este se comporta como un material, pero también cuestiona la manera en la que los diseñadores y los productores podrían comenzar a pensar el uso de colores naturales para colaborar en los esfuerzos de sostenibilidad en el diseño. «Cuando la mayoría de las personas hablan sobre el color de la tierra, piensan en tonos terrosos, y esos tonos tienen una connotación específica, por lo general, tonalidades de marrón», explica Brooke. «Pero sé, porque tengo tierra en mi estudio, que esos tonos terrosos tienen una increíble gama de color: desde rosados hasta amarillos, azules y verdes. Literalmente estamos parados sobre un globo giratorio de colores eróticos y explosivos».

Mientras que el trabajo de Brooke casi que desentierra el color en el paisaje, Arper comenzó a interesarse por el color y la naturaleza de una manera diferente: la conexión con la tierra a través del color y el material en el diseño. Con la colección Adell, diseñada por Lievore + Altherr Désile Park en 2020, la selección de color refleja el compromiso con el mundo natural mediante la entremezcla de color y material.

«No podríamos haber imaginado esta forma orgánica y esta tactilidad juntas con colores artificiales como el blanco óptico o los colores brillantes y técnicos», explica la diseñadora Jeannette Altherr. «Hemos desarrollado una gama de tonalidades suaves, inspiradas en los materiales naturales como la madera y las hojas de los árboles. Incluso los colores básicos como el blanco y el negro no son colores puramente gráficos, sino una versión más delicada: negro grafito y marfil».

A medida que buscamos inspiración para el color en la naturaleza, también procuramos que nuestros métodos de producción protejan al mundo natural. La colección Adell es de plástico reciclado que desechan las fábricas. Debido a su material, sus líneas fluidas connotan una piedrecita, su acabo sugiere los motivos concéntricos de los anillos en el tronco de un árbol y recuerda las cualidades táctiles del mundo natural, que evoca la paz y la belleza de la naturaleza. Como productores y como individuos que forman parte de la comunidad, el diseño refleja la necesidad de una conexión más armónica con el planeta.

Como siempre, el color cuenta tanto sobre los materiales que usamos como sobre el tiempo en el que vivimos. Con Adell, y las próximas colecciones que presentaremos en 2021, Arper explora las diferentes maneras de usar el color no solo como un elemento de diseño, sino también las maneras de usar el diseño como un esfuerzo de sostenibilidad mientras exploramos el futuro del color.

Para Arper, lo que se produce siempre ha sido tan importante como el modo en que se produce. No basta con que los objetos sean bellos, también deben fabricarse teniendo en cuenta su impacto en la salud de la sociedad y el medio ambiente. Para Arper, la sostenibilidad en todos los aspectos del diseño, desde el abastecimiento de materiales hasta las prácticas de producción e incluso el uso del color, no es una consideración secundaria, sino un aspecto central en la creación de cada una de las colecciones.

“Como empresas, tenemos una responsabilidad social en materia de sostenibilidad que no podemos pasar por alto”, explica el presidente de Arper, Claudio Feltrin. “En 2005, creamos un equipo especial dentro de la empresa centrado específicamente en la sostenibilidad. Como organización que produce, nos centramos en los aspectos que tienen mayor impacto en el ecosistema, incluida la forma en que seleccionamos los materiales, nuestros procesos de producción y el modo en que manejamos la etapa final del ciclo de vida útil de los productos. Con el tiempo, estas herramientas se convirtieron en directrices y pasaron a formar parte de nuestros procesos, lo que refleja nuestra convicción de que la sostenibilidad es un proceso que requiere un esfuerzo y una atención constantes a lo largo del tiempo”.

La perspectiva circular de Arper sobre la producción y el ciclo de vida de un diseño comienza con el origen de los materiales. ¿Puede completarse la visión del diseñador con un material que utiliza pocos pesticidas, como el cáñamo o las algas, en lugar de un algodón que requiere gran cantidad de agua y pesticidas? ¿Es posible que el diseño se realice con plástico reciclado? Estas cuestiones se extienden a la consideración del color.

La mayoría de los procesos de coloración que alteran el color natural de un material tienen un efecto profundamente negativo en el medio ambiente. Los tratamientos de color de los textiles, como el blanqueo y el teñido, generan el 20% de toda la contaminación del agua dulce. Los tintes vegetales naturales constituyen una alternativa más segura a los químicos en términos de contaminantes, pero no proporcionan una solidez del color suficiente para satisfacer las demandas del sector contract.

¿Qué puede aportar el diseño al reto del color y la sostenibilidad? ¿Qué papel pueden desempeñar los diseñadores para cambiar nuestras ideas sobre la belleza? El presidente de Arper, Claudio Feltrin, cree que las estrategias de diseño pueden aportar soluciones: “El diseño puede explorar formas de innovar y redefinir los valores estéticos para garantizar que lo que es “bueno” para el medio ambiente y los seres humanos se vea “bello” y “deseable”.”

Además de ofrecer acabados de tapizado personalizables en tejidos producidos de forma sostenible en infinidad de colores, Arper ha empezado a considerar el color de nuevas maneras. Con la Colección Kata 2021, Altherr Désile Park exploró nuevas estrategias de sostenibilidad.

Al crear un cojín producido por tejido 3D y fabricado con poliéster postconsumo, el desperdicio textil total se redujo entre un 30 y un 50 por ciento. La necesidad de procesos adicionales de tintura química se redujo al incorporar la textura y el patrón en el tejido 3D, creando dos patrones diferentes que animan la superficie con luces y sombras creadas por un relieve en las formas gráficas.

“Por un lado, exploramos cómo encontrar estrategias distintas a la combinación de colores para animar un espacio”, explica la diseñadora Jeannette Altherr de Altherr Désile Park. “Para la nueva colección Kata, desarrollamos cuatro colores naturales básicos: el carbón y el lino, que no utilizan ningún tinte adicional, y el trigo y el agua. Nos pareció que había menos necesidad de colores expresivos cuando se tienen otras formas de hacer que una superficie sea interesante. Entonces se pueden utilizar los colores sólo en pequeñas dosis, como en un cojín.”

Otra posible solución de diseño es reconsiderar de qué manera vemos la pátina y el impacto del tiempo en el color para poder ampliar el vocabulario de diseño de los procesos de color. “La pátina de un par de jeans bien usados añade un atractivo que un par nuevo no tiene”, explica Altherr. “Los coleccionistas se sienten especialmente atraídos por la pátina de los muebles de segunda mano. Una cicatriz de reparación como la técnica Kintsugi de reparación de cerámicas rotas o el proyecto de restauración realizado por David Chipperfield en el Neue Museum de Berlín puede convertirse en algo aún más bello o único. La pregunta sigue siendo: En un mundo al borde de la crisis climática, ¿cómo podemos cambiar nuestros valores estéticos para apoyar nuestros esfuerzos de sostenibilidad?”

El uso sostenible del color no significa limitar nuestras paletas, sino abrir nuestra mente a todo el espectro de colores y posibilidades que pueden llegar a través de las soluciones de diseño. Sólo entonces podremos comprender plenamente el verdadero futuro del color.